Comisión de Ética Pública del Teatro Nacional obtiene excelentes calificaciones

Felicitamos a la Comisión de Ética Pública del Teatro Nacional Eduardo Brito por su esfuerzo incansable de fomentar la integridad y transparencia dentro del servicio público, por el cual el equipo recibió una excelente calificación de 89 por parte de la Dirección General de Ética e Integridad Gubernamental (DIGEIG).

Gracias por dar lo mejor de sí, por el bien de las instituciones públicas, que impulsan el progreso de todo el país.

 

Los miembros del  comité de Ética, seleccionados mediante elecciones democráticas, son:

Maria Ramirez                  Coordinadora General

Desiree Suazo                   Secretaria

William Gutiérrez             Coordinador Administrativo

David Camejo                   Coordinador de Ética

Marcia Medina                 Coordinadora de Educación

Ivonne Peralta                  Asesora

Gloria Castillo                   Asesora

Fernando Genao              Suplente

Ray Luis Tavarez              Suplente

Las grandes interpretaciones en el teatro

Para hablar de interpretaciones de importancia y significado en el teatro siempre tendríamos que abocarnos al estudio e influencia universal de las técnicas escénicas y de actuación desarrolladas por el gran “genio escuela” Konstantin Stanislavsky.

Quién no se ha visto seducido por el texto y método teatral: “Un actor se prepara” de Konstantin Stanislavsky, considerada la pequeña biblia de las artes escénicas, libro de manos de estudiantes, maestros, aficionados y noveles, un libro base primordial para los fines de conocimientos y prácticas reconociendo prioridad en la distintas técnicas de la actuación.

Luego las bases primordiales para la construcción de un personaje. Konstantin Stanislavski, destacado director, actor y maestro de actuación, nacido y desarrollado en una familia de gran afinidad al teatro, cuya madre fue actriz destacada, nacido en Moscú.
Veamos pues algunas anotaciones importantes desde la influencia del teatro al gran cine USA y sus grandes interpretes entre los cuales podemos podemos mencionar el que para mi representa el emblema teatro-cine-actuación Marlon Brando.

“Michael Chekhov fue el alumno más aventajado según el mismo Stalisnavski. Era sobrino de uno de los más grandes dramaturgos Antón Chejov, también considerado como uno de los mejores escritores de relatos cortos de la historia. Con esas credenciales familiares no es de extrañar que llegase lejos.

Su técnica difiere de la de Stalisnavski en que Chejov desarrolló lo que denominó “Gesto Psicológico” que consiste en realizar un movimiento físico que exprese la psicología (pensamientos, sentimientos y voluntad) del personaje a interpretar.

Su libro “Sobre la técnica de actuar” es uno de los libros más influyentes sobre interpretación y de lectura obligatoria para quien tenga ciento interés sobre el tema. Johnny Depp y Anthony Hopkins en sus entrevistas para “Inside the Actors Studio” mencionan que el libro de Chekhov ha sido una gran influencia en sus carreras.

El Método, de Lee Strasberg

 

El Método es una versión de la técnica de Stanislavski popularizada en Nueva York por el Group Theatre, un colectivo de teatro formado en 1931. Consiste en un conjunto de técnicas desarrolladas para que los actores y actrices creen en sí mismos los pensamientos y sentimientos de los personajes a los que interpretan.
El maestro Lee Strasberg en una escena de El Padrino 2.

Más tarde se desarrolló en profundidad por Lee Strasberg en el popular Actors Studio en los años 40 y 50. En la actualidad el Actors Studio está dirigido por Al Pacino, Ellen Burstyn y Harvey Keitel y por sus clases han pasado centenares de actores y actrices.

Stella Adler

Stella fue la única actriz estadounidense que recibió clases del mismísimo Stanislavski. También perteneció al Group Theatre junto a Lee Strasberg y Sanford Meisner.
Stella Adler, fundadora del “Stella Adler Conservatory of Acting”
En 1949 funda la escuela de interpretación “Stella Adler Conservatory of Acting” que todavía está en funcionamiento.
Su metodología se basa en crear personajes a través de la imaginación, en contraste con la de Strasberg y el Método que enseñan a usar la memoria para definir al personaje.
Marlon Brando la consideró la mejor maestra interpretativa que tuvo, junto con Elia Kazan.”

Los grandes y más destacados interprete del cine mundial, son resultado de una muy importante formación en los métodos teatratrales de actuación destacados en el teatro.

Aunque la diferencias entre el teatro y el cine es abismal, a propósito de que son campos y métodos diferentes, pues en e teatro todo ocurre en vivo y directo, siendo el “espacio-instante” determinante pues lo que ocurre en ese instante de tiempo universal no puede corregirse ni retroceder , el orden corporal, proyección de voz y relación directa público actor, en cine sucede todo lo contrario, yo prefiero la fidelidad de interpretación teatral; más es bueno dejar claro que un actor o actriz de formación, mostrará su gran condición histriónica en cualquier tipo de escena o espacio categórico artístico.
En cambio las interpretaciones y métodos del “Tatro Pobre de Jerzy Grotowski, “Living Teatro … y sobre todo el Teatro Laboratorio” son mis preferidos.

Imagino al gran genio de las letras y el teatro: William Shakespeare, sus obras e incomparables interpretaciones.
¡Claro esta! toda buena interpretación dependerá, de una formación, talento interpretativo, buen juicio, conocimiento de la técnicas fundamentales y sobre todo la asimilación de un personaje hasta construir uno mismo el otro yo, desde lo distiante o ajeno, pues la activación es una mentira que se convierte en verdad, cuando la fidelidad de una interpretación penetra y se posiciona en un sujeto de la escena llamado actor.

Yi-yoh Robles

Mejores obras de teatro a través de la historia

Mejores obras de teatro a través de la historia

El fulano demonio entidad sincrética de las discordias del hombre y sus escenas, artífice de dramas y tragedias inspiración de las grandes plumas de la historia.

Empezaré este escrito enfocado en el Fausto de Goethe, jamás pretendiendo hacer competencia ni comparaciones categóricas en el campo de la dramaturgia histórica; pues si así lo fuera tendría necesariamente que iniciar bajo el espíritu del gran emblema de la escritura universal, el incomparable William Shakespeare.

Sin duda alguna que el autor de Fausto hubo de leer el pasaje bíblico de Job en sus distintas variedades y vicisitudes para al final ser arrebatado de las encrucijadas trampas de Satán, en el caso del Fausto representado en Mefistófeles.

Mefistófeles (diablo), irrumpe en Dios provocándole probar al Fausto, hombre ejemplar que en un momento flaquea intentando el suicidio; Mefistófeles conociendo las debilidades humanas convida a Fausto a hacer un pacto: otorgarle su alma bajo ciertas gracias, premios, bondades, placeres y deseos, convertirlo de nuevo en joven con ventajas y aventajadas dádivas y cualidades.
Mefistófeles tiene casi seguro que bajo tentaciones determinada puede adueñarse del alma de Fausto, pero la realidad le guarda una sorpresa.

El Hamlet de William Shakespeare obra teatral dentro de la escena de la vida, convierte al gran genio universal en pieza clave de la verdad artística, bajo un argumento de traición tragedia, Hamlet desvela la realidad de un complot que tiene como página triste la muerte de su padre a base de la complicidad de su madre y un tío suyo, al final la verdad resplandeciente como el sol que nos ilumina cada día.

Pedro Calderón de la Barca con su magnífica pieza literaria “La vida es sueño”, drama de corte barroco en donde el príncipe Segismundo, es encerrado por su propio padre el Rey en una cárcel del mismo palacio coartado en su libertad, el príncipe disipa su dolor:

” ¡Ay mísero de mí! ¡Y ay infelice!
Apurar, cielos, pretendo,
ya que me tratáis así,
qué delito cometí contra vosotros naciendo.
Aunque si nací, ya entiendo
qué delito he cometido;
bastante causa ha tenido
vuestra justicia y rigor,
pues el delito mayor
del hombre es haber nacido.”

Quien lo encierra por miedo a que se cumplan las predicciones de un oráculo consultado. Es una obra barroca caracterizada por

El rey Basilio encierra su hijo en un calabozo bajo el temor confundido en la profecía de oráculo que presumía la humillación de parte de su hijo con el apoyo del pueblo.

Luego al final el desenlace de la obra es diferente y nos plantea una lección mucho más humana de amor.

Luego en este orden y por último presentamos otra obra dramática y trágica que llena la cartera conceptual ; en donde el infierno y sus distintos mundos se nos presentan no no el sello de la majestuosa obra:

“La Divina Comedia” en la pluma inteligente del egregio Dante Alighieri.

“La Divina Comedia relata el viaje de Dante por el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, guiado por el poeta romano Virgilio. El poema comienza con el encuentro de Virgilio con Dante, que se ha perdido en una selva y tropieza con bestias salvajes. Virgilio le confiesa al poeta que ha venido en nombre de Beatriz, una dama virtuosa, y lo conduce por un largo camino de redención que comienza en el Averno…”.

Hasta aquí un compendio o resumen de 4 piezas teatrales , escritas por 4 grandes e imprescindibles dramaturgos, que representan una base importante del drama universal surgido desde el arte y la cultura majestuosa universal.

Yi-yoh Robles

Cómo juzgar las obras teatrales

Cómo juzgar las obras teatrales

Para juzgar y más bien, para interpretar gráficamente de manera acertada una crítica, con el manto de un juicio apropiado, ponderado y correcto de la calidad artística, enmarcada en el trascendente y mágico sentido estético en fuerza conceptual de una obra artística y en esta concepción podemos empoderar la obra teatral; para lo cual hay que revestirse de sensibilidad, rehuyendo a todo egoísmo y que la apreciación le toque de golpe a uno mismo, hay que ausentarse y desdoblar las asperesas, hasta ser poseído por el grandilocuente y sublime placer estético que sólo habita en las almas nobles, amorosas y de alta sutileza.

Para todo lo eternado anteriormente es preciso abordar el juicio crítico con valorización y sobriedad, bajo el acopio de seis cualidades fundamentales que mencionamos a continuación:

Verdad, Pasión, Concentración, Atención, Contemplación y Bondad.

William Shakespeare planteó la verdad artista de una forma muy puntual y certera en el siguiente texto y/o parlamento de una de sus obras cumbres:

“Antes que nada ser verídico para contigo mismo. Y así, tan cierto como que la noche sigue al día, hallarás que no puedes mentir a nadie.” (Hamlet)

La Pasión, es esa sensación de hacerte parte de la obra, de enamorarte de ella y sucumbir a llamado y clamor que irradia el paradigma de la pieza artística.

¿Quién no se apasiona con Hamlet, hasta apegarse como mercocha?

En aquel triste momento de incertidumbre y asombro, de descubrir a su madre y a su tío confabulados con la muerte de su padre (El Rey) y no poder más que sentir destrozadas el alma de impotencia:

…”To be, or not to be, that is the question”.
“Ser o no ser, ésa es la cuestión:
Si es más noble para el alma soportar
las flechas y pedradas de la áspera Fortuna
o armarse contra un mar de adversidades
y darles fin en el encuentro. Morir: dormir,
nada más. Y si durmiendo terminaran
las angustias y los mil ataques naturales
herencia de la carne, sería una conclusión
seriamente deseable. Morir, dormir:
dormir, tal vez soñar. Sí, ese es el estorbo;
pues qué podríamos soñar en nuestro sueño eterno
ya libres del agobio terrenal,
es una consideración que frena el juicio
y da tan larga vida a la desgracia. Pues, ¿quién
soportaría los azotes e injurias de este mundo,
el desmán del tirano, la afrenta del soberbio,
las penas del amor menospreciado,
la tardanza de la ley, la arrogancia del cargo,
los insultos que sufre la paciencia,
pudiendo cerrar cuentas uno mismo
con un simple puñal? ¿Quién lleva esas cargas,
gimiendo y sudando bajo el peso de esta vida,
si no es porque el temor al más allá,
la tierra inexplorada de cuyas fronteras
ningún viajero vuelve, detiene los sentidos
y nos hace soportar los males que tenemos
antes que huir hacia otros que ignoramos?
La conciencia nos vuelve unos cobardes,
el color natural de nuestro ánimo
se mustia con el pálido matiz del pensamiento,
y empresas de gran peso y entidad
por tal motivo se desvían de su curso
y ya no son acción. Pero, alto: la bella Ofelia. Hermosa, en tus plegarias
recuerda mis pecados.”

Concentración
Instante del yo del espectador vinculado a la escena en forma de fijación y detallada.

La Atención
Es la recopilación en cada detalle, el proceso que te hace ser parte directa en juicio y atención.

Contemplación
Es el instante juicioso y detenido sobre el sentido y motivo en la escena teatral, la moraleja.
El instante en que Hamlet despeja toda la trama desde un juicio artísticos y real , simulado y actuado, en donde el histrionismo y el argumento se conjugan hacia la escena de explicación de la vida y sus protagonistas.

La Bondad
Es el cuadro sincero, transparente y fiel de la valorización crítica juiciosa y definida del sentido de lo escrito.

Bajo el andamiaje de esas seis cualidades se aborda un juicio justo a la hora de resumir, contextualizar y llegar a una explicación conceptual aproximada, lejos de una simple crónica, a la hora de enjuiciar y juzgar una propuesta teatral de manera justa.

Yi-yoh Robles

Dramaturgos en la actualidad

Dramaturgos en la actualidad

HAFFE SERULLE DIOS TEATRO… HAPPENING INDOMABLE AL DESNUDO, DESCALZO Y FAUVE…

Voces agrietadas, gritos agitados y profanos, cuerpos flotantes al vacío, rostros sin rostro, desarticulación de los sentidos, caos, parlamentos anárquicos y sublimes… ya no es el “Teatro Bélico Acrobático” es la catarsis; la desnudes de los sentidos, el manto sagrado del  “Jardín de las delicias” del Bosco, “Le Radeau de la Méduse” ( Balsa de las Medusas ) de Théodoro Géricaut, es la elucidación convulsiva de la naturaleza muerta, la elucubración del “ser sin ser” es  pieza extraña y compleja… tocando la esencia del lúgubre habitáculo en Antonin Artaud (el Teatro y su Doble) y The Theatre of Cruelty… “teatro de la peste” … es la desmembración de los sentidos.

Artaud expresó en una ocasión, cito: “El teatro debe afectar de forma directa al público hasta formar parte de él …”
Artaud hacía mezcla de luces y sonidos  (adrede) de manera perturbadora y extraña para provocar el subconsciente del actor y el espectador, creando así una atmósfera sensitiva en el ambiente escénico, Antonin era considerado como un dadaísta extremo y rabioso.

Alexandre Cirici en su libro el Arte en los tres Mundo, expresa: “Si el Arte no ha muerto, es innegable que ha cambiado de rostro”
Algo así pasa con Haffe, después de percibir la muerte o la agonía en muchos años de ver la camada cotidiana de retóricas vacías de las artes, ya fulanas y faranduleras circundantes, ha creado un nuevo rostro, una nueva plataforma, sin butacas, sin público y sin actuantes de vidrieras, cazadores de citas y “Casting de cortinas en delantales”… camastro y “megadivismo” en el matadero del arte, Haffe ha creado un nuevo rostro y una nueva estética del arte, es Happening Drama, no es marioneta de la música que le toquen, ni Clown del manjar anunciado entre bombos y platillos, no es santo de devociones, escenarios entre alfombra rojas en descorrimientos y descoloramiento, lienzos vacíos y huecos en la bebida savia de plagios y medias verdades.

Grotowski que debió susurrar los oídos de Haffe en algún sueño o en una dormitación, en las encrucijadas del teatro laboratorio, teatro pobre, pero lleno de riquezas estéticas… The Art of Living.

Podríamos decir que  Haffe se encontró en el tiempo con las turbulentas cortinas de Dante Alighieri… en los infiernos rotos de la Divina Comedia… por que el también motiva los risorios y la prisa en los cantos de vigías y  vigilia junto al fuego y el agua santiguada y esa alianza vinculante al teatro catarsis de Samuel Beckett, uno de los precursores del arte caos.

Inmediatamente fuimos convidados a presenciar la obra teatral bajo el sugerente nombre de “DESNUDOS” del Dramaturgo dominicano Haffe Serulle, todos y todas susurrábamos bajo la idea o presunción de celada o acertijo inesperado (desnudo colectivo) una vez pude percibir el ambiente, se posaron en mi mente las imágenes de aquel lienzo “Dantesco ” mencionado al principio de estos texto,  pintado por Theodore Géricault titulado: La Danza de las Medusas… cuerpos de jóvenes actores y actrices bajo una atmósfera de misterio, contorsiones, gritos y lamentos proclamando el recorrido predeterminado, bajo el embrujo y la gracia de cuerpos desplazándose en magistrales gestos e histrionismo acabado, de bastante limpieza, y buen rejuego corporal… es así bajo la tutela de torso sensuales y en disciplinada marcha, como si fuéramos parte del elenco y en obediencia de sus paso; fuimos por tanto descubriendo las contrastantes y sublimes escenas, mostración y resultado de muchos meses de trabajo.

Conociendo la rigurosa disciplina de trabajo, basamentando el dominio de los parlamentos, rejuego de voces, trabajo físico, dicción, gestos ¡y más que todo! conciencia del concepto drama “Haffiano” en esta ocasión en el uso de diferentes textos de la autoría del gran intelectual dominicano Odalís Pérez, en este caso con plataforma de una concepción diferente de la dramaturgia… el recurso del “Multitexto”.

No existe la relación tradicional de público y actuantes, es propicia la oportunidad para explicar que en esta propuesta el auditorio, ambiente-escena-publico-actuante, banquetas desaparece, se esfuma con la existencia de la integración público- actuantes; conformándose como piezas esenciales de la puesta en escena.

Por lo tanto Haffe acaba de nacer de nuevo. Ha hecho su apostolado en la experiencia de la escena, donde hemos visto “su transitar del reloj en minuteros, empujando el carruaje de la sociedad agónica, que desanda los pasos” Haffe y su Mambrú de Manabao, su Horno de la Talega, su Duarte (premio Cristóbal De Llerena), El Gran Carnaval, besos y pasiones del caribe, La Apuesta, Luperón la Espada de la Patria… entre otras.

Nos sorprendió con su  “Aleluya” y ahora con el “Desnudo” todo un elenco extraordinario, con escenografía de suma profesionalidad a cargo de Miguel Ramírez; podría decir tantas cosas del maravilloso conjunto de actores y actrices… sin desmeritar el trabajo del elenco detuve mis ojos en Ruth Emerito, su apostasía, rejuego articulatorio, seguridad y afirmación en la estructura corporal, hilaridad y graciosidad en sus gestos, buen uso del diafragma, conjugación entre su vocalización, el cuerpo, el gesto y la modulación de los parlamentos; en aquel contacto público y actuantes me toco estudiar de cerca el histrionismo de Ruth, esto no quiere decir que los demás actores y actrices mostraron bajas en sus actuaciones, todo lo contrario, la calidad de esta puesta en escena nos da un muestreo de la coordinación y concordancia del trabajo colectivo.

Haffe acaba de escribir una página de los pasos por donde deben encaminarse las nuevas vanguardias en el teatro de hoy… ha puesto sus huellas en un nuevo nacimiento, no soy el indicado para darle aguas bautismales… pero puedo decir que Haffe está fuera de lo común y de la cotidianidad, acaba de parir una propuesta que huele manantial y creo que Dios le susurra al oído.

YI-YOH ROBLES

¿Por qué dedicarse al teatro?

El teatro es un reflejo de la vida, a través del cual logramos vincularnos con los mundos variados de la humanidad y su historia de vida.

A través del teatro viajamos en una nave confortable y variada del tiempo, cuya columna principal es un reloj imaginario que nos cuenta cada pasaje vivo y dinámico del quehacer de la existencia.

Viajamos de tiempo en tiempo contando y reflejando los dramas múltiples y variados de la humanidad en constante movimiento.
El teatro preserva la vida, la hace eterna y continúa; unos sujetos llamados actrices y actores se transforman, se vinculan y se convierten en imitadores… ¡y más bien en representantes y practicantes de una mentira actuada convertida en verdad!

Es una farsa más que una falsa; pues el sujeto imitador es simbiosis y/o metamorfosis de un retrato cuasi exacto de vida, un extraño espejo lleno de complejidades y mundos psicológicos que nos retratan la vida a través de personajes, convirtiendo lo que dejó de existir o existe, transformado en un reflejo directo de “retrato vivo hablado”.

El teatro a través de los sujetos actuantes, nos presenta el “otro yo” practicado, aprendido y representado del “yo real” que jamás será en “el otro yo de nosotros mismos” , todo se mueve como un trompo… lo que quiere decir que la representación o actuación de un personaje X es simplemente un discurso visual vinculante que tiene como norma un libreto, cuyos parlamentos sirven de base a la actuación teatral, que como imagen, símbolos y sopa de letras, surgen desde la psiquis de un sujeto llamado dramaturgo a quien le toca servir la mesa del plato exquisito llamado dramaturgia, servido a unas especies de comensales llamados actrices y actores, a quienes les toca el difícil papel de desmenuzar, digerir (mentalmente) y luego construir en su base originar.

Cuando nos dedicamos al teatro no sólo nos damos a conocer, nos destacamos y nos convertimos en emblemas de la fama … existe algo muy importante y es el ejercicio corporal, la dinámica viva de la memoria, sujeta al ejercicio “praxis vida”, el aprendizaje, la práctica, el vínculo psicológico y el personaje representado, la práctica vocal y la asociación entre dos entidades entrelazadas en diferentes planos de existencia, que en cierto sentido son los mismos y son diferentes, permaneciendo unidos y separados a través de una práctica sublime llamada teatro… ¡vamos a actuar!

Yi-yoh Robles

Teatro como medio de conciencia social

Enfocaremos este tema interesante, primero expresando que al ser el teatro un medio de comunicación de masas desde la óptica artística, dentro y desde el cual se nos plantean la distintas vivencias y escenas de la historia humana.

El teatro nos cuenta y nos muestra a través de los personajes, parlamentos y escenas los múltiples acontecimientos de la historia, representando así un artífice sui generis en lograr un ideal.

Enfocando la importancia del teatro en el tiempo, entonces la historia se nos coloca como espejo, mostrándonos la vida como un viaje del cual somos pasajeros temporales; estamos marcados por el designio de un reloj ciego e infinito que moldea la existencia.
Somos partículas diminutas viajando en una barca sin freno ni brújula, pero exacta y puntual a la hora en que nos toca despertar a la luz, y partir de ahí cuando queda encendida la mecha de la lumbre que nos puebla.

Eso representó la dramática, una ebullición del despertar, una mecha, una luz en la conciencia nacional. Enfocando este tema en lo que representó la Sociedad Dramática para la consecución de la independencia que nos condujo a la creación de la República Dominicana, un país libre e independencia dentro del cual el teatro representó una de las partes o piezas claves, de importancia y significación para los fines independentistas.

La Dramática se ocupó a través sus muestras escénicas a crear el espíritu de conciencia social nacional.

Las obras teatrales de la Sociedad Dramática eran montadas en una barraca o espacio de almacén que estaba situada frente a la plaza de armas.

En aquel inhóspito lugar, los trinitarios liderados por Juan Pablo Duarte escenificaban sus propuestas teatrales cargadas de sátiras contra la ocupación haitiana, lo hacían mediante un sistema de sentido comparado (manejado de forma sabia) en situaciones históricas disímiles pero con realidades parecidas.

La Sociedad Dramática se representaba como la expansión de los ideales patrios y la base primordial de dar a conocer la situación de sometimiento como pueblo dominado durante 22 años por el yugo haitiano, bajo el que nos encontrábamos disminuidos los dominicanos.

El orden de metáfora y sátira imbuido por cada obra representaba un contacto y una forma de descubrir los anhelos de libertad, desde esos escenarios se contactaban de forma sabia y cuidadosa las personas que luego se comprometían con los trinitarios y que luego pasaban a ser parte de las distintas células al servicio de los más nobles ideales que procuraban la independencia nacional.

Mientras en la Sociedad Filantrópica se inculcaba el espíritu de los conocimientos y saberes, en esta no se procuraban adeptos, pero si consistía en un plan de enseñar sobre temas de justicia y toma de conciencia, en cambio la dramática al ser de convocatoria más amplia y popular, procuraba ubicar a las personas luego de la euforia y la reflexión.

La dramática mediante su presentaciones teatrales abiertas era más a fin a los sectores populares y tenía como fin la agitación, de manera sabia los trinitarios comprometidos y más preparados se entremezclaban con el publico repartiendo la propaganda y agitando los ánimos, se seleccionaban y escogían obras de tramas y situaciones afines a la realidad vivida por el pueblo dominicano.

La primera obra elegida por los trinitarios para ser representada fue la pieza teatral: “Roma Libre” del autor Vittorio Alfieri, se trataba de una tragedia contemplada en cinco actos con partituras y parlamentos traducidos de forma sabia al español, en esta obra el amor a la patria es base esencial, en donde se contempla la solidaridad y la justicia, todo esto adrede a la original escenografía, las utilerias y vestuarios preparados por modistas, sastres, albañiles y sus afines.

La labor y propaganda de la Sociedad Dramática nos trajo como primera muestra a la obra teatral: “Roma Libre”

“Roma Libre” fue de mucho furor y entusiasmo en la Sociedad Dominicana, la presencia máxima no se hizo esperar, pues durante la ocupación haitiana aparte de no presentarse este tipo de espectáculos teatral, y de las limitaciones a la practica religiosa, conjuntamente de las innumerables prohibiciones de carácter social, el pueblo sintió en esta obra gran alivio y entusiasmo.

La noche inaugural fue incalculable, a pesar de la poca población que éramos en ese entonces, nuestra Ciudad de Santo Domingo estaba alegre y feliz, y todos estaban enterados de la puesta en escena, vinieron gente de todas partes; la boletas para entrar a la inauguración de “Roma Libre” costaba entre 3 o 4 reales, el salón teatral estaba repleto, la gente se agolpaba unos con otros y de forma elegante lograban acomodarse, no ocultando el entusiasmo ante tan importante acontecimiento.

Allí se encontraban presente altos militares haitiano enviados por el gobernador para que con su presencia fueran testigos e hicieran anotaciones de todo lo ocurrido en aquél lugar en donde se escenificaba dicho acontecimiento poco común desde la ocupación haitiana.

Comienza el espectáculo:

“-Adónde ¿adónde con violencia, oh Bruto, me quieres arrastrar?
Dame al momento, vuéleme mi puñal, que aún destilando está la sangre que adoré … en mi pecho…
“- Yo te juro; este puñal sagrado en otro pecho se hundirá primero.
De Roma en tanto a la presencia griten
Por este foro tu dolor inmenso, y mi justo furor …”.

.”…Los hijos todos del romano pueblo, que sus brazos armar en la defensa del opresor de Roma…..”

Un público eufórico, incluyendo a los militares haitianos gritaban de euforia y entusiasmos …¡!.

Desde ahí y con el teatro de la Sociedad Dramática como estandarte y como núcleo de comunicación de masas, ¡Así de forma sabia y artística se comienza a crear la conciencia nacional! todo en procura de la independencia nacional.

El Teatro es un vehículo de conciencia, en donde se cuenta todo y todo queda perenne, pues al representarse de tiempo en tiempo, no importando los actuantes o representantes, más si la esencia del textos y sus sabias adaptaciones en puestas en escena; siempre nos cuenta y nos muestra la realidad de las sociedades como si todo ocurriera al instante o si todo representará el sentido social comparativo en procura de darle dinamismo a la humanidad en constante evolución.

Yi-yoh Robles

El Teatro y sus elementos fundamentales

El Teatro es como una gran máquina con distintas, variadas y esenciales piezas, cada una de ellas se entrelazan para armar el importante armazón que se plantea en la escena. Es un ordenado tinglado de elementos bases, para la formación de una estética necesaria en el plan de un drama puntual surgido desde la base de escritura o drama, cuyo artífice, él dramaturgo es quien lleva el timón que empuja y guía la barca conceptual, que es la base andamiaje de la obra teatral.

Los tres elementos fundamentales de la escena teatral son:

A) El texto o obra escrita y su argumento, más los múltiples textos resumidos en parlamentos que dan nacimiento al drama y una razón de ser.

B) El actor, que es el alma viva y dinámica de la puesta en escena. El actor es el “histrión” que dentro de la ciencia médica puede definirse como un desorden mental, afín a la psiquiatría cotidiana humana, en la vida artística y más en la escena teatral es un lujo y ventaja para la formulación y expresión del acto teatral; debido a que es una cualidad de los profesionales o artistas de “las tablas” que suelen conjugar en una sola acción el espíritu conjunto de las técnicas de: voz, cuerpo y dicción; bases primordiales para una buena y exquisita escenificación.

Histrionismo termino originado del latín como “histrionicus” que debe sus base al histrión y a su vez histrión se refiere al sujeto actuante o actor, lo que implica la caracterización y accionar de las actrices y actores desde una óptica artística, en donde entran en juego los gestos, la expresión corporal, las máscaras, disfraces, vestuarios, antifaces en conjugación con el uso adecuado de la voz en base educación vocal en rejuego a la estructura corporal al servicio de la escena.

La etimología del termino histriónico la hemos consultado y se explica continuación: “Este vocablo esta compuesto del sustantivo “histrión” y del sufijo “ismo” que indica actitud, conducta, comportamiento, proceder o costumbre. Histrión es sinónimo de actor y de forma más específica “actor de teatro”. Desarrollado en la tradición de las representaciones dramáticas en la Antigüedad clásica se ha asociado también a los actores disfrazados del teatro popular, a los “saltadores” o saltimbanquis toscanos (en cuyo dialecto la voz «hister» significa “saltador, volatinero, prestidigitador o actor disfrazado”).

En el uso lingüístico, histrión ha pasado a llamarse todo aquel que se expresa con afectación o exageración propia de un actor teatral. El término conserva un tono despectivo.

C) El tercer y no menos importante elemento, el escritor o Dramaturgo y/o Director, pues es la esencia o base artísticas de la obra, que unida a los protagonistas dan vida y nacimiento a la obra praxis del espectáculo teatral.

Una vez conjugados los elementos ya mencionados anteriormente; entonces se suman las otras piezas imprescindibles para armar el difícil y complejo ajedrez de la escena teatral.Son la base de la estructura teatral y de la movilidad escénica:

La Escenografía, que es el cuerpo que acompaña la estructura teatral, representando el fundamento sólido o plataforma que enriquece y unifica el estamento teatral, en donde se combinan diferentes disciplinas del arte en acopio al montaje escénico, la escenografía es la propuesta complementaria y significativa, con ella la hermosura estética y la gracia mágica de la muestra en contraste con los actuantes hace crecer y postular el discurso visual rico y variado del entorno fresco del gran arte desde la ramificación de la decoración y los accesorios, elementos que se desplazan en la escena cautivado al espectador.

La regiduría de luces, en colores que se agolpan, dispersan, que se fijan, que hacen ambiente y que se desplazan en la escena teatral con el claro y novedosos destino de visualizar, dar colorido y crear sensaciones infinitas de iluminación y vida.

Los vestuarios y utilerías que con sus coloridos, líneas y formas se hacen viables en reciedumbre del marco desdoblado y vivo del mundo de las tablas, del sublime y variado rejuego en el alma de las cosas y la creación.

Como parte imprescindible esta el auditorio, el clamor del público y los aplausos.

¡Pues que se habla el telón, que el espectáculo va a comenzar!.

Yi-yoh Robles

La Expresión Corporal en el Teatro

La energía corporal es el dibujo expresivo de la escena teatral; el vínculo estrecho entre voz, gesto y movimiento. La expresión corporal es el diálogo pantomímico que silencia el texto en significativo emblema visual, enriquece el otro yo en sinergia y contraste, al servicio de la voz como conducto del concepto incurrido en todo argumento.

La trama escénica se auxilia en el idioma gestual y/o gesticular del actuante, en la fuerza histriónica que galopa en el rejuego dinámico que como vuelo transversal vincula los mecanismos o lineas prácticas de los planes en rejuego de:
cuerpo, voz y dicción.

La expresión corporal dentro del amplio y variado mundo de la labor teatral, es la conjugación del movimiento y el gestos abordable ambas prácticas en concepto de “plástica”.

El cuerpo tiene un idioma mudo en cuanto a las líneas de texto y voz; más en su especial forma de comunicar entabla un diálogo.
El lenguaje de los gestos, más la fórmula de movimiento y expresión en la escena teatral representa una energía imprescindible como espejo abierto de lenguaje de habla y movimiento.

No vayamos a confundir la energía de expresión corporal y gestual en el ámbito de la escena teatral trasladándola de forma directa y puntual con el lenguaje de señas o la simbología de signos presente en el ambiente de la “sordomudez”.  Pues la “sordomudez” ya tiene esta practica como idioma real; la naturaleza expresiva, que se configurada en precepto visual en donde la práctica táctil entabla comunicación, aunque no podemos negar la absorción e incorporación de elementos ya puntuales del idioma de lenguaje, señas y gestos como mecanismo en la escena.

La expresión corporal en el teatro aparte de ejercicio, se formula como catarsis y la utilización de las las sensaciones vitales, transferida desde los 5 sentidos y el sentido más sabio que contiene los demás sentido y lo es el sentido común; más todas las prácticas psico-teatrales presente como fórmula conceptual en muchos directores teatrales en sus puestas en escena.

Es bueno también diferencial la expresión corporal teatral con la práctica deportiva; pues en deporte las energías desbordan y en teatro se desdobla el cuerpo y se despeja toda rigidez.

“Cuerpo, Voz y dicción” es la tríada secreto a la hora de hacer buen teatro con conciencia y sabiduría.

Yi-yoh Robles

Fundación amigos del TNEB celebra cóctel en celebración de su XX Aniversario

Fundación amigos del TNEB celebra cóctel en celebración de su XX Aniversario

La Fundación Amigos del Teatro Nacional ofreció la tarde del martes 18  un cóctel a la prensa e invitados especiales con motivo de la celebración del XX aniversario de creada dicha institución, creada el 10 de febrero de 1998 por doña  Natacha  Sánchez, entonces directora general del Teatro.

El encuentro fue realizado en el lobby del Teatro Nacional Eduardo Brito, en el cual doña Jenny Podestá de Vásquez, presidenta de la entidad ofreció detalles sobre las actividades desarrolladas por la  Fundación durante sus dos décadas, haciendo hincapié en los dos últimos años.

En diciembre de 2017 nuestra Fundación auspició el espectacular montaje de  Cascanueces 2017, con el copatrocinio del Patronato Dominicano por la Danza y el Teatro Nacional Eduardo Brito, bajo un moderno concepto  y dirección de  Catana Pérez.

“Cerramos el año coauspiciando junto al  Despacho de la Primera Dama el bellísimo concierto Cantando a la Navidad, con el Coro de Ángeles de la Cultura, el Coro de  las Palmas de Herrera y el del Banco Central de la República Dominicana, en el lobby del Teatro, un regalo para la unidad y alegría de la familia dominicana.

“A todos estos logros artísticos agregamos, en el orden corporativo, la donación que acaba de hacer la Fundación, de un nuevo telón principal para el escenario de la Sala  Carlos Piatini.” Y se  efectuó la develación de una tarja conmemorativa de la donación del nuevo telón.

En el encuentro estuvieron presentes directivos de la  Fundación, así como personalidades del mundo artístico y cultural dominicano, miembros de la prensa e invitados especiales.

 

 

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